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El mercado del arte, la reputación, aquellos mecenas que aún hoy hacen posible que alguien viva sólo de sus obras y por su puesto, la obra en sí. Estos son algunos de los elementos que juegan un papel primordial en la creación de un artista y su contundente establecimiento ante las normas existentes. Una muerte del arte que intenta derribar los conceptos establecidos para romper los paradigmas y generar nuevos discursos, nuevos experimentos y aproximaciones ante aquello que quisiéramos derribar para marcar un antes y un después de nosotros.

Probablemente entonces, de ese modo, entendamos cómo resaltaron algunos artistas en lugar de otros que aún hoy, en los libros de historia del arte, yacen en la siguiente página, listos para ser descubiertos pero sin el interés suficiente para que alguien se aproxime después de tantos años a su obra, y otros, los más relegados, ni siquiera permanecen en los anaqueles de la historia del arte: fueron olvidados, seguramente, sólo después de su muerte.

En la actualidad es lo mismo y peor aún, porque la vertiginosa vorágine de la globalización nos hace centrarnos sólo en algunos, en aquellos que consideramos relevantes. Ellos son capaces de ocupar la primera plana de los diarios más importantes, reúnen a millones de personas en una de sus famosas exposiciones por el globo y si lo desean, pueden vivir una vida como aquellos famosos rockstars que causaron fulgor. 

Estas leyendas vivas han hecho historia sin la necesidad de morir, así que, ahora que todavía pueden ir a dar pláticas o conferencias, aprovecha si tienes la oportunidad. Si no es así, al menos conócelos antes de que sea demasiado tarde para decir que compartiste el espacio y el tiempo de una de las figuras más importantes.

Este artista disidente recibió apenas el año pasado un pasaporte para regresar a China después de cuatro años. Su valentía es, tal vez, lo que lo haga ser uno de los artistas más populares de nuestros días, con trabajos que exploran temáticas desafiantes como la censura, la sociedad y los derechos humanos con total libertad. Con el paso de los años su trabajo se hace cada vez más crítico y utiliza las redes sociales para informar a su público cómo va su vida de resistencia política. 

Ha exhibido en numerosos museos con diferentes propuestas que intenta globalizar. Su trabajo incluye instalaciones, esculturas, música y arquitectura.

Se ha convertido en uno de los artistas vivos más importantes y costosos. Con 61 años, rompió su récord de ventas en una subasta de Christie en mayo del año pasado y en 2014 se realizó una retrospectiva de su trabajo en el Centre Pompidou. Koons tiene una extraordinaria capacidad para convertir lo mundano en trabajos aclamados de arte. Con obras que retoman a Michael Jackson con su famoso chimpancé Bubbles, ese famoso perro de globo o la bola metálica azul que se situaba en medio de copias de grandes obras de arte como la Mona Lisa, convierten a este artista en uno que ha logrado marcar un parteaguas en el arte, entre los kitsch y lo magnífico.

Quizá ninguna exposición de arte haya funcionado tan bien como la de Kusama en el Museo Tamayo, en la que, con esos puntos de colores tan característicos de su obra, ha logrado conquistar el plano pop contemporáneo. Con 87 años, Yayoi Kusama es esa artista rockstar de la actualidad después de seis décadas de legado en el arte japonés contemporáneo. Tal vez Kusama le deba su éxito a esas alucinaciones recurrentes que ha tenido desde muy joven y que intenta combatir con cientos de puntos ordenados en cuartos repletos de color. En los años 60 sus happenings sorprendieron a la ciudad de Nueva York, en 2015 le hicieron una retrospectiva en Estados Unidos, Rusia y también participó con su obsesión infinita en México hace dos años.

Un artista de opiniones divididas entre los que lo admiran por todo lo que ha logrado a su corta edad y los que creen que de algún modo, su fama lo ha premiado como a ningún otro pretencioso. Hirst es el artista vivo más rico del mundo. De joven parecía que la fama no lo seguiría, hasta que en 1988 organizó una exposición con compañeros de la escuela y entre los asistentes se encontraban Charles Saatchi, Norman Rosenthal y Nicholas Serota. Su obra "Mil años", con una caja transparente de gusanos y moscas revoloteando sobre una cabeza de vaca ensangrentada fue alabada por Saatchi y desde ese momento, se convirtió en su gran mecenas. 

En 2008, una subasta de Sotheby lo hizo ganar 111 millones de libras, el artista dividió la economía de un país pero no satisfecho, continúa exhibiendo sus piezas, como en su Newport Street Gallery, cuyo espacio fue diseñado por el arquitecto Caruso St. John. 

Mejor conocida como la mujer que separó a los Beatles, en realidad, esta mujer ha incursionado en poesía, música y performance, del mismo que sentó las bases para estudiarlo. Con 83 años, Yoko Ono ha curado el festival musical Meltdown en Londres y mantiene colaboraciones artísticas para promover la paz. Algunas de sus obras más conocidas son "Instrucciones", creada en 1961 y que permitía interactuar con sus instalaciones, e "Instrucciones para pinturas", en la que ofrecía ideas en lugar de pinturas. Fue una de las pocas mujeres artistas extranjeras que apoyó la escena artística de Nueva York cuando este lugar se convirtió en la meca del arte y además, logró que los límites del arte se rompieran al involucrar al público.

Gates es uno de los artistas que combina mejor sus grados en urbanismo y cerámica. De este modo, le da un balance a su éxito comercial y sus prácticas artísticas que ayudan al activismo comunitario y el crecimiento urbano. Sus esculturas, casi siempre de materiales reutilizados, logran crear espacios como ningún otro artista contemporáneo. Con su trabajo desarrolla el espacio, realiza objetos y genera performance. Ha exhibido en el Studio Museum en Harlem, Nueva York; Whitechapel Gallery en Londres; Punta della Dogana en Italia; el Museum of Contemporary Art en Chicago; el Museum of Art de Santa Bárbara y el Documenta 13 en Alemania. Ganó el Artes Mundi 6 y ha recibido premios de la Creative Time, el Vera List Center for Art and Politics, los Artistas de Estados Unidos, Creative Capital, la fundación Joyce, la fundación Graham, el Bemis Center for Contemporary Arts y Artadia.

En 1958, cuando Stella tenía sólo 25 años, lo incluyeron en la exposición Sixteen Americans realizada en el MoMA. Sus pinturas eran una oposición al panorama actual, lleno de expresionistas abstractos. Éstas se convirtieron en las precursoras del Minimalismo y más tarde, su obra se convirtió en el comienzo en algo nunca antes visto, con casi 10 mil obras frenéticas. La evolución de su arte se transformó de un negro que cubría toda la superficie, después destacándose con abundantes colores, más tarde en piezas tridimensionales conocidas como construcciones barrocas, hasta algunas diseñadas con material digital. 

Esta artista cubana del performance y la instalación desafía los sistemas políticos para pelear por la libertad de expresión. Como una fuerza latente que defiende los derechos de los inmigrantes, en 2011 colaboró con el Queens Museum para fundar el Movimiento Inmigrante Internacional. En 2015 el MoMA adquirió uno de sus performances y videoarte, lo que la convirtió en una de las figuras más relevantes del arte de nuestro tiempo. Ha desarrollado diferentes tipos de arte, como el "arte de conducta", que se relaciona con lo que los espectadores consideran debe ocurrir. Bruguera también propone un arte útil que transforme a la sociedad. Ha sido acusada de promover resistencia y desorden público y fue detenida en su país natal, Cuba, para evitar que realizara sus piezas artísticas. Ganó la Beca Guggenheim, el Meadows Prize y el Premio Príncipe Claus.

Para Katz, el expresionismo abstracto sólo fue aquello que acompañó a sus pinturas, mismas que destacaban close-ups estilizados y elegantes figuras en las que dominaban colores saturados. Padre del figurativismo contemporáneo, Katz, con 89 años, ha protagonizado grandes exhibiciones desde hace décadas. Su importancia recae en la experimentación de la forma y la estructura de la pintura y cómo es que el espectador las observa.

La artista con mil y un rostros ha marcado el dinamismo de la fotografía en el arte. Después de cinco décadas de carrera, personajes como estrellas de películas, payasos, víctimas, personajes ingenuos, depredadores y otros, ocupan un sitio en sus autorrepresentaciones para hablar sobre el papel de la mujer en el mundo del arte y su identidad en el mundo contemporáneo.

El corazón de la Huasteca Potosina, en especial el pueblo de Xilitla, es sinónimo de surrealismo, pues por sus calles pasaron algunos de los iconos de este movimiento artístico: Edward James y Leonora Carrington. Dentro del bosque que rodea este sitio se erigen las místicas estructuras de Edward James, y por fin se inauguró el Museo Leonora Carrington en Xilitla.

Este museo, y el que se ubica en la ciudad de San Luis Potosí, son los únicos en el mundo dedicados a la vida de la artista. En cuanto al contenido, en este espacio se pueden apreciar 63 esculturas, algunas de ellas a gran escala. Asimismo, el museo cuenta con una sección donde se muestran 25 máscaras pequeñas de bronce. Por último, las esculturas se acompañan de obras como dos tapices de lana, fotografías, grabados, dibujos y herramientas de trabajo. Este recinto existe gracias a Pablo Weisz, artista plástico e hijo de la artista, pues fue él quien prestó las piezas al museo.

Desde el exterior, lo primero que llama a la vista es la enorme firma de la escultora: una instalación de metal sobre los muros de concreto del museo. Pero visualmente, hay mucho más que ver. Arriba de los dos pisos del edificio se encuentra una cafetería-terraza con una vista sin igual de la Huasteca. Aquí se ofrecen snacks para disfrutar mientras se respira el aire fresco de la naturaleza.

La construcción de este espacio supone el fortalecimiento del pueblo mágico de Xilitla como lugar surrealista. El Museo Leonora Carrington se ubica en el centro, a pocos minutos de Las Pozas (jardín surrealista de Edward James) y de la Plaza de Armas del pueblo. Las instalaciones abrieron sus puertas al público el pasado 19 de octubre.

La artista surrealista Leonora Carrington nació en Lancaster, Reino Unido, en 1917. Desde pequeña se inclinó por las artes y la creatividad, lo que la llevó a estudiar arte en Londres. Tras conocer a Max Ernst, icono del dadaísmo y surrealismo en Europa, Leonora incursionó en esta corriente artística. Más tarde, ante la Segunda Guerra Mundial y recurrentes exilios en Francia, España y Portugal, emigró a México, donde vivió y siguió creando esculturas hasta su muerte en 2011.

Parte de la identidad cultural de nuestra comunidad se define por la lengua, relaciones sociales, ritos y ceremonias, comportamientos, sistemas de valores y creencias. Otra parte se define por elpatrimonio cultural que un grupo ha producido y que se integra como el acervo cultura que se trasmite de generaciones a generaciones para formar un patrimonio común.

El patrimonio cultural nos distingue de cualquier otro grupo social, de ahí que sea de suma importancia proteger la producción cultural, cuidar los testimonios de la identidad​y sobre todo los bienes culturales inmuebles, que​ son preocupación directa de la conservación y la restauración, como lo puede ser diversos objetos o artefactos como obra pictórica, escultórica, gráfica, bibliográfica y hemerográfica, material fotográfico, textiles, mobiliario, objetos ornamentales, entre otros.

Los elementos que están estrechamente vinculados al edificio histórico en el que se encuentra, como pintura mural, sobre lienzo o tabla adosadas a las paredes, también incluye retablos, relieves, pisos, techos, vitrales, puertas y ventanas, fuentes, cruces atriles y esculturas adosadas a la arquitectura, también son piezas que merecen atención.​

Una de las tareas que desarrolla el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) es la conservación del patrimonio cultural. Durante 2018, sus especialistas se encargaron de restaurar una diversidad de bienes y elementos arquitectónicos entre los que destacan el Paraguas del Museo Nacional de Antropología (MNA), la cabeza momificada de una guacamaya, así como indumentarias tradicionales y de época, pintura mural, obras de arte, acervos documentales y edificaciones prehispánicas.

El Paraguas o la fuente central del Museo Nacional de Antropología, volvió a lucir impecable, lucir impecable tras cuatro meses de labores de limpieza profunda con la técnica alemana ice-blaster (pellets de hielo seco aplicados con presión controlada), que permitió eliminar totalmente la suciedad y sales acumuladas durante más de medio siglo.

La labor de los profesores restauradores cruzó fronteras este año y llegó hasta la ciudad de Washington, donde intervinieron el conjunto de murales creados por Roberto Cueva del Río, entre 1933 y 1941, en el Instituto Cultural Mexicano (ICM), antigua Embajada de México en Washington, Estados Unidos, en los que se aprecian escenas de la vida en México, sus tradiciones y su cultura. Los frescos presentaban algunos deterioros ocasionados por el paso del tiempo.

El Adoratorio de Ehécatl ubicado en la estación Pino Suárez, fue objeto del más importante trabajo de conservación desde su apertura pública en 1969. El INAH instaló cédulas, fotografías y un videomapping que muestran a los usuarios la trascendencia histórica del monumento mexica. Los especialistas utilizaron la técnica de encalamiento y con el uso de materiales propios a la edificación prehispánica recuperaron el aspecto que debió tener este templo dedicado al dios mexica del viento, construido hacia 1400 d.C., bajo el gobierno del tlatoani Huitzilíhuitl.

La Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía (ENCRyM) realizó trabajos de conservación del colorido plumaje de una guacamaya bandera, momificada de manera natural en la cueva Avendaños, Chihuahua, junto con su cráneo y la amplia variedad de artefactos elaborados con fibras naturales, materiales vegetales y piel de animales, descubiertos en un contexto, posiblemente mortuorio, de dos mil años de antigüedad.

Los alumnos de ENCRyM también efectuaron la estabilización de dos huipiles del Fondo Reservado de la Colección Etnográfica del MNA. Ambas prendas —de finales del siglo XIX o principios del XX de la Mixteca oaxaqueña— fueron intervenidas como parte del Proyecto de Caracterización y Técnica de Manufactura de Bienes Culturales, con el propósito de preservar y redignificar estas piezas consideradas únicas, ya que dan cuenta de una técnica de factura en desuso y, por tanto, son fuente de información valiosa.

Un grupo de alumnos intervinieron tres tocados femeninos, conocidos también como bonetes, fechados a partir de la segunda mitad de siglo XIX y principios del XX. Además de un vestido que presentaba alteraciones por el uso. Las piezas forman parte de la Colección de Indumentarias y Accesorios del Museo Nacional de Historia, Castillo de Chapultepec.

Otra pieza intervenida fue la Tabla Nierika, atribuida al artista chamán José Benítez Sánchez, en la que se aprecian coloridos elementos que forman parte de la cosmovisión wixárika. Es una de las cinco tablas huicholas elaboradas con la técnica de estambre pegado con cera de Campeche sobre un soporte de madera, que forman parte del acervo del Museo Regional de Nayarit.

También se intervino un cocodrilo (Crocodylus acutus) taxidermizado, pieza representativa de las colecciones del recinto nayarita que tenía deterioros ocasionados por factores ambientales, envejecimiento y abrasión. También trabajaron en la estabilización del Fondo Conventual del Museo y Archivo Histórico Casa de Morelos, en Morelia, Michoacán, integrado por mil 507 volúmenes impresos entre los siglos XV y XIX, que sirvieron para la formación espiritual de las órdenes franciscanas, agustinas, mercedarias, capuchinas y jesuitas que se asentaron en la ciudad de Valladolid, durante la Colonia.

Una particularidad del fondo son las marcas de fuego que hacen referencia a su origen, por ejemplo, hay libros que pertenecieron a los colegios de San Buena Ventura y de San Francisco Javier, al Seminario Tridentino y a los conventos de la Merced, del Carmen, San Francisco, San Agustín y Santa Catalina de Siena.

En el proyecto del Templo Mayor estabilizaron casi 70 cartílagos rostrales de peces sierrahallados en diversas ofrendas.  Estos especímenes marinos fueron altamente valorados por las culturas prehispánicas, entre ellas la mexica, para la cual los espadartes de este animal simbolizaban al monstruo terrestre cipactli.