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El arte utilitario es una creación artística realizada con los elementos fundamentales de composición y técnica, además de ser un objeto práctico, útil y funcional. El  arte siempre ha tenido utilidades, sólo que no siempre de orden pragmático. El arte utilitario se aleja de la simple ornamentación para hacerse funcional e interactuar de forma directa con la vida cotidiana.

Objetos de uso cotidiano como vasos, vajillas, ropa, zapatos, muebles, son cada vez más probable, que recorriendo los circuitos de arte, uno se tope con estos objetos, respaldados con la firma de un artista y respondiendo al llamado "arte utilitario". El fenómeno se puede explicar con el movimiento alemán de la Bauhaus, que en los comienzos del siglo XX integró el arte al diseño industrial y cuya filosofía se basaba en integrar todas las artes con la tecnología para obtener un diseño al alcance de todas las billeteras. Antes de eso el Art Nouveau y el arte egipcio, por ejemplo, tienen en su haber múltiples manifestaciones de arte utilitario

Así tenemos que el arte utilitario se identifica por su característica esencial que es la funcionalidad, y es esta misma, la que le da un nuevo sentido a la aplicación del arte a objetos útiles que buscan más que simplemente adornar.

El arte utilitario debe cumplir ciertas características para ser considerado como tal:

• Artístico: Al ser elaborado mediante técnicas artísticas o artesanales de excelente factura.
• Útil:  Es decir, debe servir para algo o satisfacer alguna necesidad pragmática.
• Funcional: Palabra que se ha derivado de la palabra "Funciona" que a su vez quiere decir "Trabaja o sirve". Puede ser aplicado a todo aquello que trabaja correctamente para lo que fue realizado.

Es importante destacar que las artes plásticas también tienen utilidad pero más bien está destinada a cubrir necesidades intelectuales, culturales e incluso espirituales. A través de la historia del arte el fin y utilidad del arte ha ido cambiando de acuerdo al momento socio-cultural y de cada individuo, creador y/o receptor de una obra de arte. La arquitectura es considerada el arte utilitario más popular.

En México muchos artistas optan por esta modalidad en el arte, un ejemplo de ello son Víctor Guadalajara, Maritza Morillas y Alejandro López quienes aparte de realizar arte utilitario son representantes de México, como identidad cultural alrededor del mundo.

• Víctor Guadalajara (México, D.F, 1965): Licenciado en diseño gráfico por el Instituto Nacional de Bellas Artes. Hasta 2014 ha realizado veintiséis exposiciones individuales en México y en el extranjero. Su producción artística abarca la pintura, el grabado, la cerámica, la escultura, el objeto y el diseño de muebles.

• Maritza Morillas (México, D.F, 1969): A partir de la técnica del esmalte industrial sobre fierro y la utilización de los trastes de peltre como soporte, logró una interacción entre la obra artística y una pieza de uso cotidiano de forma tal que cada elemento preservara su esencia en lo que se ha denominado arte-objeto.
  
  
• Alejandro López (León, Gto. 1971): Estudió una licenciatura en Diseño Gráfico. Su trabajo es el resultado de la mezcla entre arte y diseño. Del diseño descubrió el poder de la imagen, de la pintura la pasión que se puede transmitir.
  
     

El arte mexicano del siglo XX se caracterizó por contar con diversos artistas  que se distinguieron por dejar huella con sus imágenes. Muchos de ellos tenían otra nacionalidad sin embargo su desarrollo artístico llegó a plenitud en México y por lo tanto han tenido una gran influencia de ello en su quehacer artístico. Existen pinturas de caballete o murales que se han vuelto icónicas del arte del siglo XX, que son populares en el resto del mundo porque son piezas de excelente calidad técnica, temática y estética.

Decidir qué es lo más importantes del arte mexicano es un reto, es por ello que a manera de resumen  presento un listado de las más emblemáticas de la historia del siglo XX, enfocándome a aquellos maestras y maestros que ya no se encuentran entre nosotros pero que dejaron un  puñado de creaciones tanto en colecciones públicas como privadas.

1. “La calavera garbancera ” José Guadalupe Posada. La imagen de la Catrina se está convirtiendo en la imagen mexicana por excelencia sobre la muerte. Forma parte del imaginario creado por Posada quien fue maestro de muchos de los grandes maestros de la plástica mexicana del siglo XX aún cuando él mismo no se consideraba artista sino un artesano al servicio de su oficio. Más tarde Diego Rivera la renombró como “La Catrina”.

2. “Autorretrato en el Albergue del Caballo de Alba” Leonora Carrington. Leonora llegó a México en la primera parte del siglo XX con un cúmulo de experiencias y vivencias, tanto de vida como de los sucesos por los cuales transitaba el mundo. La pintora, escultora, grabadora, escritora, dramaturga y escenógrafa, desde pequeña estuvo familiarizada con los mitos celtas, muy presentes en sus cuadros y obras de teatro, a los que sumó los mundos mágicos y fantásticos que descubrió en México.  Autorretrato en el Albergue del Caballo de Alba es la obra que retrata en mucho la forma de pensar de Leonora Carrington.

3. “Las dos Fridas” Frida Kahlo. Esta pintura se encuentra ubicado en el Museo de Arte Moderno de México. se caracteriza por la síntesis de elementos expresionistas (porque pretende expresar su interioridad) y también es considerada surrealista aunque la misma autora asegura: Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinte mis sueños. Pinte mi propia realidad”. Su temática principal a través de todas sus obras es la autobiografía.

4. “El hombre en llamas” José Clemente Orozco. También conocido como hombre de fuego, representa al mundo prehispánico, sus rituales primitivos y en ocasiones sangrientos ante el sacrificio de otros humanos que conformaban una sociedad que aparentaba vivir bajo lineamientos inflexibles que la alejaban de la compasión y los más humildes sentimientos humanos.  ‘El hombre en llamas’ de José Clemente Orozco se encuentra en la cúpula del Hospicio Cabañas, en Guadalajara, Jalisco, donde sigue ganando una admiración que se basa en la conexión entre ese arte que sigue siendo un llamado vital con el espectador reflejado y sacudido por la obra.

5. “Escena de circo” María Izquierdo. En 1930 fue invitada a mostrar su trabajo en el Art Center de Nueva York, convirtiéndose en la primera artista mexicana que exhibía en Estados Unidos.  La obra de Izquierdo se caracteriza por reflejar nacionalismo, pinta un México lleno de color, retoma las costumbres y tradiciones. También hace referencia a la mujer, la maternidad y la feminidad. Y muestra un lado pueril, que plasma sobre todo en su trabajo acerca del circo. Todo con algunos principios de surrealismo, debido a su amistad con el poeta Antonin Artaud.

6. “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central” Diego Rivera. Este mural fue pintado para el Hotel del Prado, ubicado en el casco histórico de Ciudad de México, pero a raíz del terremoto de 1985 se mudó al Museo Mural. Rivera nos muestra en un imaginario paseo los recuerdos de su niñez y al mismo tiempo realiza una síntesis de la historia de México, representada por algunos de sus protagonistas más emblemáticos.

7. “La huída” Remedios Varo. La Psicología y Literatura son algunas aristas que nutren los paisajes oníricos de la  artista española quien desarrolló gran parte de su carrera en México. La Huida forma parte de un tríptico sobre un grupo de monjas que viven en una torre y tejen el ‘manto terrestre’. Posiblemente el cuadro esté inspirado  en un ejemplar que Remedios Varo tenía de ‘Letras Portuguesas’ de Mariana Alcoforado que narra la vida de una monja enamorada de un oficial francés.

8. Sandías Rufino Tamayo. Esta es una de las tantas piezas que caracterizaron el trabajo plástico de Rufino Tamayo quien se ha hecho popular por ser un excelente artista y tener un loable uso del color. Las Sandías sin embargo son de las piezas que más popularidad le han dado a este artista en el mundo, aún incluso para quienes no son especialistas en el mundo del arte.

9. “La Marcha de la Humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos” David Alfaro Siqueiros. La Marcha de la Humanidad en la Tierra y hacia el Cosmos es un mural pintado por el artista mexicano David Alfaro Siqueiros el cual cubre el "Foro Universal" del Polyforum Cultural Siqueiros. Este mural es, por su tamaño, el más grande pintado en toda la historia. fue encargado por Manuel Suarez y Suarez. Y en base a este mural se pensó y se construyó todo el edificio.

10. “La Patria” Jorge González Camarena. El óleo sobre tela, de 120 x 160 centímetros, fue realizado en 1962. Desde ese año y hasta 1972, la obra ilustró más de 350 títulos de publicaciones, imprimiéndose un total de 523 millones de ejemplares, entre materiales para profesores y alumnos. En 1992, la SEP retomó la obra para las ediciones conmemorativas.

No hay que ser un experto en el mundo del arte para poder reconocer obras maestras que son tan famosas que han llegado a los ojos de gran parte de la población mundial. Dichas piezas tienen en común varios factores: maestría en su ejecución técnica,  temática interesante vinculado a un contexto histórico determinante y una búsqueda de estética que aborda lo bello, lo grotesco, lo sublime, lo feo, lo trágico e incluso lo cómico. Son imágenes que se han popularizado precisamente por ser íconos, y definitivamente las siguientes piezas son de las más emblemáticas en la historia del arte.

La obra más famosa del mundo es La Mona Lisa de Leonardo da Vinci También es llamada la Gioconda porque su esposo era Francesco Bartolomeo del Giocondo. Se encuentra en el museo Louvre en Paris. Lo más enigmático de este retrato es que cuando miras su cara ella sonríe, pero cuando miras su boca ella no sonríe.

La segunda es La Ultima Cena de Leonardo da Vinci. Se encuentra en el comedor del convento de Santa María delle Grazie en Milán. Las figuras están de tamaño natural, la perspectiva es increíble y es considerada la obra más importante en la historia del arte.

La tercera es La Creación de Adán, de Miguel Ángel. Se encuentra en la Capilla Sixtina en el vaticano. El fresco relata el pasaje de Génesis de la creación del hombre. Dios está representado majestuosamente cargado de ángeles. El brazo de Adán sin vida reposa en su rodilla y da la sensación que no está respirando.

La cuarta obra es Guernica de Pablo Picasso. Guernica es considerada como la obra más importante del siglo XX porque es una queja al bombardeo de civiles de la ciudad de Guernica por los alemanes. Este óleo se encuentra en el Museo Reina Sofía en Madrid.

La quinta es El Grito de Edvard Munch. Hay varios cuadros con el mismo nombre, el más famoso se encuentra en la Galería Nacional de Noruega. Si es tan importante es porque cuando la vez nunca te olvidas que la viste. Ha venido a ser un icono en el arte. Representa soledad, angustia y desesperación.

La sexta obra es Los Girasoles de Van Gogh. En la lista de las 10 mejores obras tenía que haber una obra de van Gogh, preferí que sea esta por su sencillez de tema, un bodegón, pero fue hecha con tal maestría que a todos gusta. Se encuentra en el Museo Neue Pinakothek, en Munich. Sus colores alegres y calientes, dan alegría a cualquier ambiente.

La séptima obra es Lata de Sopa Campbell de Andy Warhol quien también tenía que estar en esta lista. Las Latas de Sopa Campbell han venido ser un icono en arte pop. La historia de esta obra es que Warhol compro la idea de hacer las latas de sopa Campbells en una fiesta y pago 50 dólares  por la idea. Warhol es quizás el artista más importante de Estados Unidos en el siglo XX.

La numero ocho es La Persistencia de la Memoria de Salvador Dalí. Este cuadro se encuentra en el MOMA de New York y fue pintado para que el espectador no se olvidara nunca más de haberlo visto. Los relojes blandos y el paisaje en la parte posterior dan este efecto. Dalí después de 21 años hizo otra versión de este cuadro y lo llamo, La Desintegración de la Persistencia de la Memoria, donde uso casi los mismos elementos como el paisaje, el árbol y los relojes blandos.

La novena obra es La Danza de Henri Matisse, un óleo que se encuentra en el museo Hermitage de San Petersburg. Representa a 5 personas de ambos sexos desnudas bailando sobre lo que parece unas montañas por el cielo atrás, esto los hace gigantes. Hay una dualidad increíble en la obra. Las manos forman un corazón de lado. Solo está pintado en tres colores. Hay dos versiones de este tema.

La décima obra es Las Señoritas de Avignon de Pablo Picasso. Este fue el primer cuadro cubista que hizo Picasso. Se encuentra en el MOMA de New York. El cubismo rompió los cánones del realismo, del color y perspectiva. Cuando Matisse vio este cuadro dijo que esa pintura esta botando fuego. En esta obra se puede ver la influencia de arte africano sobre el arte del mundo occidental.

Sin duda faltaron muchas obras maestras en este listado, y por supuesto que también hay obra artística muy interesante, de excelente factura menos popular.